Энциклопедия
Здесь Вы сможете найти самое интересное описание и некоторые цены на продукцию

Вертов Дзига (Кауфман Денис Аркадьевич) 14/03/2017

Вертов Дзига (Кауфман Денис Аркадьевич)
Вертов Дзига (Кауфман Денис Аркадьевич)

Вертов Дзига (Кауфман Денис Аркадьевич)

Режиссер, сценарист, теоретик кино.
Один из основателей советского и мирового документального кино. Учился в Психоневрологическом институте и Московском университете.
После Октябрьской революции начал работать в отделе кинохроники Московского кинокомитета.
Руководил работой фронтовых кинооператоров, выезжал с агитпоездами ВЦИКа. Затем стал составителем-монтажёром журнала «Кинонеделя» (1918-19), выпуски которого были посвящены современным событиям. Первыми работами Вертова были фильмы по материалам гражданской войны — «Годовщина революции» (1919), «Агитпоезд ВЦИК» (1921). «История гражданской войны» (1922).
Дальнейший путь Вертова связан с поисками новых способов съёмки и монтажа, новых методов организации снятого материала, которые позволили бы раскрыть действительность в сё революционном развитии. По инициативе Вертова начался выпуск тематический киножурнал под общим назв. «Киноправда» (1922-24).
Вертов открыл новые возможности монтажа как средства истолкования запечатленных на плёнку событий, широко использовал титры для агитационного воздействия на зрителей. Вертов достиг в лучших выпусках журнала и прежде всего в «Ленинской киноправде» взволнованного, эмоционального звучания хроникальных сцен. Каждый номер «Киноправды» имел своё художественное решение в зависимости от характера событий, о которых он рассказывал. Это было рождение нового вида искусства, где кинодокументы получали художественно-образное истолкование.
Одновременно Вертов выступал в печати с теоретическим обоснованием искусства документального фильма.
В его статьях «Мы», «Он и я», «Киноки: Переворот», «Киноглаз» и др. отчетливо сказалось влияние пролеткультовских и лефовских эстетических теорий. В этих статьях-манифестах Вертов отрицал право художника на вымысел и домысел, видя задачу искусства в документации действительности.
Всегда полагая, что искусство должно служить для пропаганды революционных идей, Вертов осуществлял это отбором документируемых событий, методами их съёмки, их монтажным истолкованием, объяснением в титрах и т. д. Вертов и возглавляемая им группа единомышленников — «киноков», много и успешно экспериментировали в поисках методов документальной съёмки. Увлечение творческими экспериментами норой обусловливало идейную нечёткость замысла и чрезмерную усложнённость киноязыка, которая затрудняла восприятие картин. Так, художественное решение фильма «Киноглаз» (1924), «Одиннадцатый» (1928) и «Человек с киноаппаратом» (1929) определялось не столько идейным заданием, сколько стремлением продемонстрировать новые методы съёмки и монтажа.
Лучшие же фильмы Вертова «Ленинская киноправда» (1924), «В сердце крестьянина Ленин жив» (1925), «Шагай, Совет!» (1926), «Шестая часть мира» (1926), «Симфония Донбасса» (1930), «Три песни о Ленине» (1934) и др.
С огромной эмоциональной силой воссоздают на экране пафос социалистического строительства, борьбу партии и советского народа за осуществление ленинских заветов. Своим творчеством и теоретическими поисками Вертов положил начало новому художественно-документальному жанру в киноискусстве, он является признанным классиком документального кино, оказавшим огромное влияние на развитие советской и прогрессивной зарубежной документальной кинематографии.
В большинстве своих фильмов Вертов выступал и как сценарист.
Другие фильмы: «Процесс Миронова» (1919), «Процесс эсеров» (1922), «Вчера, сегодня, завтра!» (1930), «Радио-киноправда» (1925), «Серго Орджоникидзе» (1937), «Колыбельная» (1937), «Слава советским героиням» (1938), «Три героини» (1938), «Кровь за кровь, смерть за смерть» (1941), «На линии огня — операторы кинохроники» (1941), «В горах Ала-Тау» (1944), «Клятва молодых» (1944).

Комментариев к записи Вертов Дзига (Кауфман Денис Аркадьевич) нет

Вилар Жан 25 марта 1912 года — 28 мая 1971 года

Вилар Жан 25 марта 1912 года - 28 мая 1971 года
Вилар Жан 25 марта 1912 года - 28 мая 1971 года

Вилар Жан
25 марта 1912 года — 28 мая 1971 года

Жан Вилар — французский режиссер и актер. Организатор и руководитель театральных фестивалей в Авиньоне. Спектакли «Убийство в соборе» (1945), «Сид» (1951), «Принц Фридрих Гомбургский» (1951), «Лорензаччо» (1952), «Дон Жуан» (1953), «Мария Тюдор» (1955) и др.
Жан Луи Вилар родился 25 марта 1912 года в городе Сэт в семье мелкого коммерсанта-галантерейщика, мечтавшего сделать из своего сына скрипача. Жан учился в колледже и музыкальной школе. Уже в двенадцать лет он дебютировал в качестве первой скрипки маленького джаз-оркестра. В своей книге режиссер писал «У меня не было юности». И еще «Юность уныла, как всеми покинутый город».
В 1932 году Вилар уезжает в Париж, поступает там на филологический факультет Сорбонны, работает воспитателем в колледже Сент-Барб. Однажды приятель завел его на репетицию в театр Ателье, где Шарль Дюллен готовил спектакль «Ричард III» Шекспира. Вилар тут же записывается в школу при театре и через три месяца дебютирует в маленькой роли.
В 1937 году военная служба прервала театральную карьеру актера, и лишь в 1940 году Вилар вернулся к любимому делу. Он познакомился с Андре Кальве, директором передвижной труппы, с которой объездил почти все деревни Франции. Биограф Катрин Валонь пишет «Этот эксперимент был, несомненно, решающим в формировании молодого Жана Вилара. Он приучился воссоздавать сценические условия там, где к этому не было ничего готово. Нужно было импровизировать каждый вечер и менять мизансцены сообразно новой обстановке. А самое главное, возникал контакт с публикой…»
В 1942 году Жан Вилар женился на Андре Шлегель. У них родились дочь Доминик (1943), сыновья Стефан (1944) и Кристоф (1947).
Большая слава пришла к Вилару в 1945 году после спектакля «Убийство в соборе» Т.-С. Элиота, сыгранного в театре Вье Коломбье («Старая голубятня»). За эту работу он получил престижную театральную Премию критики. К этому времени относится знакомство Вилара с художником Леоном Гишиа, который будет его постоянным сотрудником в Национальном Народном театре.
В сентябре 1947 года Вилар организует «Неделю драматического искусства» в Авиньоне, которая уже со следующего года становится Авиньонским театральным фестивалем. Режиссер предложил новый репертуар, состоящий из пьес Шекспира, Корнеля, Мольера и Клоделя, добавив к ним такие редко идущие пьесы, как «Смерть Дантона» Бюхнера и «Принц Фридрих Гомбургский» Клейста.
Игра в необычных условиях папского дворца ставила новые задачи. «Нам нужно было изменить театральную архитектуру не только самого зала, но и сцены, — писал Вилар. — В театре, пришедшем к нам от итальянцев, пространство сцены всегда оставалось замкнутым, к нему нужно было приспосабливаться. В Авиньоне нужно было изобрести новую сцену».
И Вилар ее изобрел. Это была большая площадка, глубоко выдававшаяся вперед в зрительный амфитеатр. В глубине планшета сцены находился второй, более узкий подиум, к которому вели с обеих сторон два ступенчатых схода. На этой огромной сцене не было никаких декораций. Все внимание было перенесено на актеров.
В 1951 году Вилар возобновляет в Авиньоне «Сида» и «Принца Фридриха Гомбургского» Клейста с Жераром Филипом в заглавных ролях.
Роль Родриго давалась Жерару с трудом. Наконец Вилар сказал «По-моему, мы принимаем «Сида» слишком всерьез. Ведь это трагикомедия, «эспаньолада». Попробуй сыграть легко, непринужденно, иди от движения танцора фламенко». Жерар мгновенно нашел настроение Родриго — ожили его кипение молодости, лукавое сознание собственной неотразимости, почти мальчишеская запальчивость, чуть оттененная иронией.
Вилар писал художнику «Сида» Леону Гишиа, который не смог быть на премьере «Ты просто можешь повеситься, старина. Какую мы одержали победу, а ты ее проворонил. Жерар играл ослепительно… Он создал такого Родриго, что меня бросало в дрожь. Он показал себя настоящим человеком, таким, каких любят, каким ты и я стараемся быть изо всех сил». Луи Арагон называл «Сида» лучшим спектаклем, который он когда-либо видел.
Успех авиньонской «Недели драматического искусства» привел к тому, что Вилару предложили возглавить театр в Париже, во Дворце Шайо на 2300 зрителей. В августе 1951 года он подписывает трехлетний контракт на руководство театром. В его труппу почти сразу же пришли Жерар Филип и Мария Казарес, Даниэль Сораио, Кристиан Минаццоли и дебютанты, которым еще только предстояло стать звездами в театре и кинематографе; среди них Жанна Моро и Филипп Нуаре. Доверенный ему государственный театр Вилар назвал Национальным Народным (ТНП).
Театр Вилара, «повернувшийся лицом к ведущему актеру современности — народу», стал лучшим театром страны, «самым большим событием послевоенной театральной жизни», — писала одна из французских газет. Этот театр приобрел последователей во многих странах мира.
Жан Вилар выступил против «прозаизма бульваров» и «абстракций авангарда»; он решил «бороться за театр, который был бы доступен всем, согласно мудрой и основополагающей формуле Станиславского». Вилар утвердил на громадной сцене Дворца Шайо невиданный дотоле сценический стиль — простой и величественный, эстетически совершенный и широко доступный, гармонический и рассчитанный на восприятие народной аудиторией. Дворец Шайо, где восемь месяцев в году играл ТНП, собирал тысячи людей, которые и десятилетия спустя вспоминали о спектаклях Вилара как о самых счастливых мгновениях, проведенных в театре.
Актеры театра участвовали в народных праздниках, в концертах на открытом воздухе, проводимых по французской традиции в часы субботнего отдыха. Театр часто уезжал в гастрольные поездки по стране. К примеру, когда помещение дворца Шайо оказалось занято под заседания Организации объединенных наций, театр предпринял большую поездку по городам Франции, Эльзаса, Бельгии, Люксембурга и Германии, выступал перед многотысячной аудиторией на городских площадях и на аренах цирков.
Удивительное признание сделал посетивший Москву в 1997 году композитор Морис Жарр, автор музыки почти ко всем спектаклям ТНП. Обладатель трех «Оскаров» за музыку к кинофильмам сказал, что готов отдать все свои награды ради возможности вновь прожить те потрясающие двенадцать лет, которые ему довелось работать с Жаном Виларом.
В сезон 1960-1961 годов Вилар ставит «Антигону» Софокла и «Карьеру Артуро Уи» Брехта, «Алые розы для меня» О’Кейси и «Саламейского алькальда» Кальдерона, а несколькими месяцами позже — «Мир» Аристофана.
Вот как французский критик Ж. Сальтан описывает финал постановки политической сатиры «Карьера Артуро Уи» «Последние минуты спектакля мучительны. Сцена погружается в полутьму, безмолвные актеры остаются на местах, затем внезапно сцена озаряется полным светом. Жан Вилар срывает с себя парик Артуро Уи — Гитлера, выходит на авансцену, прямо в зрительный зал направляет указующий перст и страстно, вдохновенно, с почти нечеловеческим порывом читает заключительные строки Брехта «А вы учитесь не смотреть, но видеть. Учитесь не болтать, а ненавидеть…»
В 1963 году Жан Вилар не стал продлевать контракт с ТНП. На протяжении двенадцати лет руководимый Виларом Национальный Народный Театр был символом Франции. Знаменательно, что последним спектаклем Вилара в ТНП стал «Томас Мор, или Одинокий человек» по пьесе Р. Болта, имеющей иное название «Человек для любой поры».
После этого Вилар осуществил давнишнюю мечту — поставил оперы своего любимого Верди «Иерусалим» в театре Ла Фениче в Венеции (1963), «Макбета» в Ла Скала (1964), «Дон Карлоса» в Вероне (1969) и в той же Ла Скала — «Свадьбу Фигаро» (1964) Моцарта. Музыка всегда была верной спутницей Жана, и говорят, что нередко из-за закрытых дверей его кабинета можно было услышать звуки флейты, на которой Вилар играл, обдумывая что-то в своей новой работе.
В 1967 году министр культуры Андре Мальро назначает его главой Комиссии по реорганизации Национальной Оперы. Предполагалось, что Оперой будет руководить триумвират Жан Вилар, Морис Бежар и Пьер Булез. Однако в дело вмешалась политика. 15 мая 1968 года генерал де Голль заявил, что «готов принять на себя все полномочия Республики». В знак протеста Вилар отказался занимать любые административные посты. Он сохраняет за собой лишь Авиньонский фестиваль.
Когда в июле 1968 года в Авиньон съезжается со всей Франции бунтующая молодежь, Вилар, отстаивая свой фестиваль, ведет с толпой изнурительные многочасовые дискуссии. Конечно, это не прошло бесследно. Осенью режиссера настигает сердечный приступ.
У Жана Вилара было множество планов, но внезапная смерть 28 мая 1971 года не позволила им осуществиться. Режиссер умер во сне от сердечной недостаточности. Его похоронили на Морском кладбище родного Сэта.

Комментариев к записи Вилар Жан 25 марта 1912 года — 28 мая 1971 года нет

Висконти Лукино 2 ноября 1906 года — 17 марта 1976 года 13/03/2017

Висконти Лукино 2 ноября 1906 года - 17 марта 1976 года
Висконти Лукино 2 ноября 1906 года - 17 марта 1976 года

Висконти Лукино
2 ноября 1906 года — 17 марта 1976 года

Лукино Висконти — итальянский режиссер театра и кино. Фильмы «Земля дрожит» (1948), «Рокко и его братья» (1960), «Гибель богов» (1969), «Смерть в Венеции» (1971), «Семейный портрет в интерьере» (1975) и др. Спектакли «Трамвай «Желание» (1949), «Три сестры» (1952), «Вишневый сад» (1965) и др.
Лукино Висконти родился 2 ноября 1906 года в Милане. Его отец, герцог Джузеппе Висконти ди Модроне, любил искусство и заслужил признание как театральный меценат. Мать, Карла Эрба, происходила из богатого семейства, добившегося господства в фармацевтической промышленности Милана.
Семеро детей Висконти занимались иностранными языками, спортом, музыкой. Отец воспитывал их в строгих и твердых правилах. Лукино учился игре на виолончели, а также композиции. Его любимым писателем был Шекспир. Еще одним увлечением стал театр Ла Скала.
В 1936 году Висконти по рекомендации Коко Шанель устроился ассистентом (по другим сведениям — бутафором) в группу Жана Ренуара, снимавшего фильм «Загородная прогулка». Работа у Ренуара была началом режиссерского пути Лукино. Тогда же началось его сближение с коммунистами.
Свой первый фильм «Одержимость» («Наваждение») по роману Джеймса Кейна «Почтальон звонит дважды» Висконти снял в 1942 году. Это история любовной страсти, преступления и возмездия.
Вскоре Висконти оказался в рядах антифашистского Сопротивления. Он укрывал в своем доме людей, преследуемых фашистами, помогал солдатам союзнических армий бежать из немецкого плена. В Риме Лукино был арестован гестапо и чудом избежал казни. В 1945 году он вместе с другими кинематографистами выпустил документальный фильм в память об антифашистском Сопротивлении — «Дни славы».
Еще до окончания войны Висконти развил бурную деятельность как режиссер театра с января 1945 по февраль 1947 года он поставил на различных сценах Италии одиннадцать драматических спектаклей. В 1946 году он сформировал собственную труппу с постоянной резиденцией в римском театре «Элизео». Его «Элизео» просуществовал двенадцать лет, став первым итальянским режиссерским театром, выдержавшим испытание временем. Наряду с Джорджо Стрелером, Висконти стал основоположником режиссерского театра в Италии.
Начинал Висконти как вождь театрального натурализма. По словам самого Висконти, в его прославленных спектаклях 1940-х годов «у зрителей возникло ощущение чего-то совершенно нового, небывалого. Непривычная реалистичность постановки и исполнения буквально сразила их так бывает в школе, когда все стирается с доски и пишется заново. Никто не представлял себе, что можно играть настолько правдиво».
Задумав новый фильм, в 1947 году Лукино Висконти отправился на Сицилию, в старинный рыбацкий поселок Ачи Трепеща, где когда-то происходили события, пересказанные в романе Верги «Семья Малаволья». Его ассистентами стали Франческо Рози и Франко Дзефирелли.
Сценария не было — фильм создавался по сюжету романа. Вместо профессиональных актеров в картине снимались жители местечка рыбаки, девушки, батраки, каменщики, торговцы рыбой. Говорили они на сицилийском диалекте. Итальянский язык в Сицилии — не язык бедняков. Висконти добивался того, чтобы экранная жизнь его сицилийских героев представляла естественное продолжение их реальной жизни. Съемки продолжались полгода. Исчерпав бюджет, Висконти продал часть семейных картин и драгоценностей и довел работу до конца…
В августе 1948 года фильм «Земля дрожит» был представлен зрителям на Венецианском кинофестивале. Картина поразила всех необычайным сочетанием правдивости и высокого поэтического достоинства. Искусство неореализма достигло в ней одной из своих вершин.
В 1950-х годах Лукино Висконти успешно сочетал работу в театре и кино. Сценарий трагикомедии «Самая красивая» (1951) ему помогали писать Франческо Рози и новый соавтор — Сузо Чекки д’Амико, которая станет одним из самых близких друзей и верных соратников режиссера. В «Самой красивой» убедительно сыграла актриса Анна Маньяни, создавшая образ чистосердечной, наивной женщины.
Снимая кино, Висконти черпал вдохновение в театре. Поставив «Весталку» Спонтини в Ла Скала, он создает «костюмный» фильм «Чувство» (1954). Это история безумной любовной страсти с жестоким финалом из жизни аристократов.
После этого он осуществил ряд успешных оперных постановок в Ла Скала с участием Марии Каллас. «Травиата» (1955) Верди стала крупнейшим событием в музыкальной жизни. Висконти еще не раз будет обращаться к творчеству великого итальянского композитора. Среди любимых опер режиссера — «Дон Карлос» и «Макбет».
В драматическом театре висконтиевский натурализм со временем приобрел физиологический оттенок. Болезненной страстью были проникнуты спектакли по миллеровской пьесе «Вид с моста» (1958) и «Фрекен Юлия» (1957) Стриндберга, а также запрещенная цензурой за безнравственность «Ариальда» по пьесе Тестори (1961). Исполнительница главной роли Рина Морелли замечательно «передала горечь, ярость, истерические кризисы старой девы, преследуемой воспоминаниями об умершем женихе, а Паоло Стоппа — вульгарность и грубость ее нового избранника».
Однажды в беседе с журналистами Висконти обмолвился о замысле фильма «из жизни молодых боксеров». Героями его новой работы стали крестьяне, выходцы из нищей Лукании, отправившиеся искать лучшую жизнь. В роли всепрощающего Рокко Паронди снялся молодой Ален Делон. Картину «Рокко и его братья» (1960) смотрела вся Италия!
Висконти обладал сложным характером. «Дух противоречия», «непреклонность», «постоянный вызов самому себе», — так обозначила Сузо Чекки д’Амико его черты. Искусство работы с актером он сравнивал с умением находить подземные воды. «Лукино фактически подменял актеров, подолгу объяснял реплики, задавал интонацию, сам декламировал и проигрывал эпизоды», — говорил в одном из интервью Микеланджело Антониони.
Висконти предоставлял полную свободу Анне Маньяни, а на Марчелло Мастроянни кричал и ссорился с ним. Он в совершенном безмолвии проводил съемочные дни с Дирком Богардом и по-доброму шутил на съемках с Роми Шнайдер. С Паоло Стоппой и Риной Морелли у него было полное взаимопонимание и единомыслие, не только в работе, но и в жизни вообще.
Микеланджело Антониони говорил, что «фильмы Висконти отличаются силой и плавностью повествования у него потрясающее умение развивать характер персонажа в процессе рассказа». Эти слова в полной мере можно отнести к картине режиссера «Туманные звезды Большой Медведицы» (1965), в которой Висконти обращается к современной теме брат и сестра мстят за погибшего отца убийце, ставшему их отчимом, и матери, пособнице преступления.
В это же время он ставит в театре для труппы Морелли — Стоппа чеховский «Вишневый сад» (1965). Висконти заявил, что это будет спектакль о кризисе одного семейства, более того, между его последним фильмом «Туманные звезды Большой Медведицы» и «Вишневым садом» есть много общего их объединяет именно тема семейного кризиса. «Только сюжет моего фильма трагичен, — уточнял режиссер, — а сюжет пьесы Чехова совсем напротив, хотя все в театре думают иначе. Даже Станиславский не понял в этом отношении Чехова… Я же буду придерживаться указаний, которые дал автор в письмах к первому постановщику… Для Чехова эта его последняя пьеса была не столько драмой, сколько комедией».
После «Вишневого сада» Лукино Висконти практически распрощался с театром. В последний период жизни он все чаще обращался к немецкой литературе, музыке, истории и даже совершил путешествие по Баварии и Австрии. О том, что Висконти прекрасно знал и понимал немецкую культуру, убедительно свидетельствуют созданные на протяжении пяти лет фильмы «Гибель богов» (1969), «Смерть в Венеции» (1971), «Людвиг» (1973). Критики назвали их «немецкой трилогией» Висконти.
Сначала он обратился к событиям, происходившим в Германии сразу после установления нацистского режима. Фильм был назван, как опера Вагнера «Гибель богов». «Я делаю эту картину для поколений, которые не знают, что такое нацизм, — говорил режиссер. — Молодые должны усвоить, что непротивление злу приводит к его абсолютизации. Нацистские оргии массовых убийств были чудовищны, и я хотел передать воистину апокалипсический ужас происходящего».
Второй фильм «Смерть в Венеции» был снят по известной новелле Томаса Манна в 1971 году и удостоен премии Каннского фестиваля.
Завершал «немецкую трилогию» фильм «Людвиг» — о короле Баварском, ставшем олицетворением тщетных попыток создать «царство Красоты». Висконти любил рассказывать истории поражений, описывать одинокие души, судьбы, разрушенные реальностью.
Висконти довел съемки до завершения, когда 27 июля 1972 года у него случился удар. Перед этим Лукино чувствовал себя так, как чувствует себя человек после нормального трудового дня, с учетом той нестерпимой жары, которая стояла в Риме, и того, что было выкурено исключительно много сигарет. В результате инсульта его тело оказалось частично парализованным. Висконти был доставлен в Цюрих, но, не завершив курс лечения, он с согласия врачей покинул клинику, чтобы на вилле своей сестры заняться монтажом «Людвига».
Режиссер мечтал превратить «немецкую трилогию» в тетралогию, экранизировав «Волшебную гору» Томаса Манна, и таким образом завершить кинематографическую карьеру. Но сначала он поставил камерный фильм с немногими персонажами. Главные роли в нем исполнили Берт Ланкастер, Хельмут Бергер и Сильвана Мангано. Осенью 1974 года «Семейный портрет в интерьере» был завершен и в откликах на него зазвучали одни и те же слова фильм-завещание. Его герой — интеллектуал, старый Профессор, который уходит в себя, предпочитая общению с людьми коллекционирование картин.
Висконти был вынужден оставить работу после того, как упал и сломал шейку бедра. Снова невозможность передвигаться, снова кресло-коляска. В его квартире постоянно находились родные и друзья, здесь же, рядом с ним, были любимые книги и музыкальные записи.
Сильнейшая простуда ускорила конец. Лукино Висконти ушел из жизни 17 марта 1976 года. Он успел провести съемки «Невинного» по роману Д’Аннунцио. «Это был фильм Лукино Висконти» — такой надписью завершили картину его друзья. Великий режиссер хотел, чтобы на его надгробии было начертано «Он обожал Шекспира, Чехова и Верди».

Комментариев к записи Висконти Лукино 2 ноября 1906 года — 17 марта 1976 года нет

Брук Питер 21 марта 1925 года 08/03/2017

Брук Питер 21 марта 1925 года
Брук Питер 21 марта 1925 года

Брук Питер
21 марта 1925 года

Питер Брук — английский режиссер театра и кино. Спектакли «Ромео и Джульетта» (1947), «Гамлет» (1955), «Король Лир» (1962), «МаратСад» (1964), «Сон в летнюю ночь» (1970), «Вишневый сад» (1981), «Трагедия Кармен» (1981), «Махабхарата» (1985) и др.
Питер Брук родился 21 марта 1925 года в Лондоне. Его отец Семен (Симон) Матвеевич Брук, выходец из Латвии, никогда не был состоятельным человеком. Во время войны он изобретал полевые телефоны, а потом сменил профессию инженера-электрика на инженера-химика. Мать была родом из немецкого района Прибалтики.
Брук учился в Вестминстерском колледже, но из-за болезни прервал занятия и два года провел в Швейцарии. Вернувшись в Англию, он изучал лингвистику в Оксфорде, где преподавал известный религиозный писатель К.С. Льюис. Брук был активным участником любительского театра. Его спектакль по пьесе Ж. Кокто «Адская машина» привлек внимание крупнейшего режиссера Барри Джексона, который предложил двадцатилетнему Бруку поставить в Бирмингемском репертуарном театре труднейшую пьесу Бернарда Шоу «Человек и сверхчеловек» и познакомил его с молодым актером Полом Скофилдом.
«Поскольку я не получил систематического театрального образования, то, начав работать в театре, я полностью полагался на чувство и интуицию, — пишет Брук. — Это не означало, что я презирал разум, напротив, я ценил его как инструмент, способный распознавать, организовывать и прояснять, но вместе с тем с удивлением замечал, что решения, принятые на основе инстинкта, отражали скрытый порядок, который не могло определить сознание».
Бруку был двадцать один год, когда Барри Джексон, взявшийся обновить Шекспировский Мемориальный театр, пригласил его в числе других молодых режиссеров в Стрэтфорд-на-Эйвоне. Питер поставил целый ряд пьес Шекспира, причем в главных ролях неизменно играл Пол Скофилд. Этот незабываемый шекспировский цикл сделал их обоих знаменитыми.
Настоящей сенсацией стал спектакль «Ромео и Джульетта» (1947), вызвавший оживленные споры в английской театральной критике. Молодой Брук впервые использовал свою идею «пустого пространства», выкинув со сцены за полчаса до премьеры многие декорации.
Молодой Брук мечтал работать в опере, так как «это был большой театр». В 1948-1949 годах на сцене Ковент-Гарден он выпускает «Бориса Годунова» Мусоргского, «Богему» Пуччини, «Свадьбу Фигаро» Моцарта, «Саломею» Р. Штрауса (сценография Сальвадора Дали).
Однажды на утреннем показе балета Питер увидел очень красивую девушку лет шестнадцати, которая разговаривала с его приятелем. Ее звали Наташа Парри. Это была мистика в двенадцать лет Брук прочитал «Войну и мир» Толстого, после чего решил, что женится на девушке с именем Наташа, а для Англии это редкое имя. Брак оказался счастливым. Их дочь Ирина (1962) станет актрисой, а сын Симон (1966) кинорежиссером.
В 1950-х годах Брук работает не только в английских театрах, но и за границей. Репетируя по три-четыре недели, он ставит спектакли в Бельгийском национальном театре («Смерть коммивояжера», 1951), Метрополитен-опера («Фауст», 1952 и «Евгений Онегин», 1957), Театре Антуана в Париже («Кошка на раскаленной крыше», 1956), нью-йоркском театре Линн Фонтейн («Визит старой дамы» Дюрренматта, 1958).
В 1955 году вместе с труппой «Феникса» Брук отправляется в турне Брайтон, Оксфорд, Бирмингем, Москва, Лондон. Питер называл путешествие в Москву удивительным и волшебным. Символом этой поездки ему виделась мхатовская чайка. «Мы были в полете, — говорил он. — Мы не касались земли». Театральная Москва пятидесятых с восторгом приняла «Гамлета» Скофилда. Этот ренессансный принц с нахмуренным лбом, так напоминавший вожака «рассерженного» поколения, словно принес с собой весть об обновлении.
После ряда успешных постановок на престижных сценах Вест-Энда Брук в 1962 году принимает приглашение Питера Холла перейти в штат реорганизованной Королевской шекспировской группы (бывший Шекспировский Мемориальный театр), руководство которой провозгласило курс на радикальное обновление традиции шекспировских спектаклей.
В том же году Брук осуществил постановку «Короля Лира» с Полом Скофилдом. Декорации и костюмы к спектаклю, выполненные по эскизам самого Брука, в значительной степени отражали театральную эстетику Брехта. На протяжении всего спектакля сцена была освещена ровным белым светом. Режиссер использовал в оформлении грязно-серые холсты и панели ржавого медного цвета. Гранитный трон был лишен каких-либо украшений. Григорий Козинцев писал «В постановке, утверждавшей безнадежность, торжествовала надежда», — и эти его слова применимы к очень многим спектаклям Брука.
В 1963 году вместе с ассистентом Чарльзом Маровицем он занялся опытами в сфере «театра жестокости». Специально набранная труппа три месяца репетировала программу, состоявшую из пьесы Жана Жене «Ширмы» о войне в Алжире, сюрреалистического наброска Арто «Кровяной фонтан», пьесы Джона Ардена «Жизнь коротка, искусство вечно» и некоторых других вещей. В январе 1964 года эта программа без особого успеха прошла в одном из лондонских театров.
После этого Брук поставил на основе той же техники еще один спектакль «Преследование и убийство Ж.П. Марата, разыгранное обитателями сумасшедшего дома в Шарантоне под руководством маркиза де Сада», или просто «МаратСад» Петера Вайса, причем включил в него несколько сцен из предшествующего спектакля, и добился огромного успеха. Мир был изображен как сумасшедший дом, где маркиз де Сад превращает «пьесу в пьесе» о Французской революции в восстание сумасшедших против Наполеона.
В 1968 году, собрав по предложению Ж.-Л. Барро группу актеров из разных стран, Брук показал в помещении лондонского «Раундхауса» представление по мотивам шекспировской «Бури». До этого Брук ставил «Бурю» в Стрэтфорде во вполне традиционной манере. Нынешнее представление включало в себя серию упражнений и этюдов, связанных с темой «Бури». Актеры, размещавшиеся на нескольких помостах, под аккомпанемент ударных инструментов демонстрировали «с помощью лицевых мускулов» маски персонажей пьесы, затем показывали сцену кораблекрушения одни изображали команду тонущего корабля, другие — сам корабль. В противоположном конце зала в это время разыгрывали мимический этюд на тему свержения Просперо.
В 1970 году Брук поставил праздничный, легкий «Сон в летнюю ночь». «После долгой серии мрачных, жестоких пьес, — говорил режиссер, — у меня появилось очень сильное желание войти как можно глубже в это произведение — чистый праздник искусства театра».
Брук использовал приемы зрелищ разных народов и времен — комедию дель арте и восточный цирк, мейерхольдовскую биомеханику и уличный театр 1960-х годов. В его спектакле актеры летали на цирковых трапециях.
К 1971 году Брук поставил пятьдесят семь драматических спектаклей (пять из них вывозились на гастроли за границу), семь опер, семь фильмов, пять телеспектаклей (сценарии трех из них написаны Бруком).
В ноябре 1970 года Брук переехал в Париж, где возглавил Международный центр театральных исследований (МЦТИ), созданный под эгидой ЮНЕСКО и Международного института театра.
В результате отбора среди актеров разных стран Брук создал труппу из тридцати человек. В поисках средств обновления театра режиссер обращается к формам народного зрелища, возрождает традиции старинного театра, как европейского, так и восточного. «Ведь актеры из разных стран способны, работая вместе, разрушать штампы, господствующие в их культурах, — писал Питер Брук. — Тогда-то нам и удастся с их помощью увидеть подлинные национальные культуры, погребенные дотоле под грудой условностей, и каждый из них по-своему приоткрывает перед нами какую-то неведомую прежде часть человеческого атласа… Театр — как раз то место, где из разрозненных частей мозаики возникает единый образ».
С июня по сентябрь 1971 года МЦТИ находился в Иране. Здесь на развалинах древнеперсидского города Персеполя Брук поставил грандиозный спектакль «Оргаст» (в первой своей части он состоял из сцен, восходящих к мифу о Прометее, во второй был основан на «Персах» Эсхила). Большая часть текста была написана на оргасте, новом языке, который разработал для труппы поэт Тед Хьюз. Как писал обозреватель из «Обсервер», большинство зрителей, совершивших путешествие в пустыню, «было в недоумении», но «то, что мы увидели и, более того, услышали, оказалось захватывающим, прекрасным и волнующим».
В начале 1973 года труппа МЦТИ совершила путешествие по Африке, играя импровизированные сценки то в университетских городах, то в заброшенных деревушках — в залах, на сельских лужайках, на базарных площадях.
В июле — октябре 1973 года труппа Брука играла в США пьесу «Совет птиц» Фарида Уддин Аттара, написанную по мотивам персидской поэмы XIII века. И опять актеры предпочитали театральным залам дворы бедняцких кварталов и рабочие клубы. И опять пьеса менялась от раза к разу в зависимости от публики. Дать людям энергию, принести им радость — так сформулировал Питер Брук цель поездки.
Если уж случаются настоящие театральные удачи, то «Вишневый сад» (1981) в постановке Питера Брука на сцене парижского Буфф дю Нор бесспорно к ним принадлежит. Спектакль исполнен тончайшего психологизма и истинно чеховской душевной правдивости. Ж.-К. Каррьер и Л. Лаврова сделали новый перевод пьесы. Сам режиссер изучал статьи, письма Мейерхольда, посвященные «Вишневому саду».
Декорации в бруковском «Вишневом саде» — бледные стены. В финале забивают двери усадьбы, гаснет свет, и только одинокий луч освещает кресло, к которому подходит Фирс. Его слова «Жизнь прошла, а словно и не жил» завершают постановку Буфф дю Нор.
В 1985 году состоялась премьера инсценировки древнеиндийского эпоса «Махабхарата», грандиозное мифопоэтическое представление о судьбах человечества. За месяц до первого спектакля Брук прекратил репетиции, и труппа уехала в Индию, где в интенсивном режиме работала десять дней. Работа с оригиналом на санскрите началась еще в 1982 году, премьера частей спектакля состоялась в каменоломне близ Авиньона во время фестиваля, а полностью спектакль впервые показали в Париже.
Российский режиссер Андрей Михалков-Кончаловский пишет «На сцене была реальность, но в то же время это была театральная реальность. Его восьмичасовой спектакль (он шел два вечера) — «Махабхарата» — был чем-то фантастическим по простоте. Брук — один из немногих, кого постмодернизм не коснулся. Основы и первоисточники его театра там, где играют на ситаре, балалайке, гитаре — на инструментах, под которые поет самый простой человек. Он всегда искал в этом кругу. Его театр — это действительно театр наций. Там соединено все. Уже то хотя бы, что китаец может играть у него Отелло, восхищает меня как сказка. И так во всем».
В 1987 году началось мировое турне англоязычной версии «Махабхараты». Весной 1988 года Питера Брука встречала театральная Москва. Союз театральных деятелей СССР, учредивший премию за наиболее значительный вклад в современное театральное искусство, вручил ее выдающемуся английскому режиссеру. Через год зрители Москвы, Тбилиси и Ленинграда увидели «Вишневый сад», возобновленный в 1988 году в Бруклинской музыкальной академии.
Питер Брук читал лекции, проводил эксперименты, творческие мастерские. Постоянные размышления режиссера о законах и природе театра, неустанный поиск «живого театра» отразились в его книгах, изданных в разные годы «Пустое пространство» (1968), «Блуждающая точка» (1987), «Секретов нет. Мысли об актерском искусстве и театре» (1993). В 1998 году выходит книга воспоминаний «Нити времени».
По словам Брука, ему ближе всего два драматурга — Шекспир и Чехов. «Им свойственна одна черта они никогда не судят своих героев, не делят на хороших и плохих, а показывают их такими, какие они есть, позволяя зрителям самим оценить их, а это и есть самая возвышенная форма любви к людям. Эту универсальную форму любви к человечеству никто не сумел передать с такой силой, как Шекспир и Чехов».
В 2000 году Брук снова поставил «Гамлета». Трагедию Шекспира актеры разыгрывают на ковре, есть только несколько подушек. Спектакль освобожден от привычной театральной бутафории, в нем очень простой свет, и потому играть его можно где угодно. В ролях Гамлета, Клавдия, Полония предстали чернокожие актеры. Принц Датский в исполнении Уильяма Надилама — воплощение искренности и силы, чувствительности и обаяния. Брук рассказывает про обычных людей, с которыми случилась необычная история.
28 июня 2003 года Брук на Биеннале искусств в Валенсии представил премьеру пьесы «Моя рука в твоей руке», которую написала американская переводчица Чехова Кэрол Рокэморы. Она использовала переписку великого русского писателя и его жены актрисы Ольги Книппер-Чеховой. В камерном спектакле играют лишь два актера — Мишель Пикколи и Наташа Парри.
«Для меня искусство — это жизнь, только более сконцентрированная (хотя сейчас многое в мировом театре устарело), — говорит Питер Брук. — Миссия театра — показать что-то новое, необычное, обнадеживающее в каждой человеческой ситуации, каждом существе. Театр дает возможность спросить себя, в чем смысл и суть происходящего. На сцене, на экране. В жизни».

Комментариев к записи Брук Питер 21 марта 1925 года нет

Бертолуччи Бернардо 16 марта 1941 года

Бертолуччи Бернардо 16 марта 1941 года
Бертолуччи Бернардо 16 марта 1941 года

Бертолуччи Бернардо
16 марта 1941 года

Бернардо Бертолуччи — итальянский режиссер. Фильмы «Перед революцией» (1964), «Стратегия паука» (1969), «Конформист» (1970), «Последнее танго в Париже» (1972), «XX век» (1976), «Последний император» (1987), «Маленький Будда» (1994), «Мечтатели» (2002) и др.
Бернардо Бертолуччи родился 16 марта 1941 года в Парме. Его отец, Аттилио, известный поэт, профессор истории искусств, поощрял интерес Бернардо к кино — еще школьником он снял две короткометражки.
С раннего детства Бертолуччи писал стихи, а во времена студенчества в Римском университете (1958-1961) получил национальную литературную премию за сборник «В поисках тайны».
Бросив учебу, Бертолуччи начал свою карьеру как помощник режиссера. Бернардо никогда не учился режиссуре в школе или в институте. Позже он скажет «Чтобы делать кино, нужно не только работать на площадке, но и смотреть много фильмов».
Его первые картины — «Костлявая кума» (1962), «Перед революцией» (1964), «Партнер» (1968) носили отчетливо выраженный элитарный характер. Они принесли Бертолуччи известность, но зрительского успеха не было.
После «Стратегии паука» (1969) в творчестве Бернардо Бертолуччи наступил переломный момент «К концу 1960-х передо мной встал вопрос о популярности того, что я делаю. Просто надоело обращаться к пустым залам. Появилось ощущение, что в действительности моих фильмов нет. Они не вызывали ни восторга, ни смеха, ни слез у публики. Хотя, надо признать, многие делали фильмы антимассовые. Внезапно я понял, что обращался только к самому себе. Вот тогда мне и пришлось признать существование публики».
Экранизация повести Альберто Моравиа «Конформист» (1970) стала для Бертолуччи ступенью к массовому успеху. Режиссер поведал историю жизни интеллектуала Марчело Клеричи из высших кругов. После мучительных сомнений он соглашается служить режиму Муссолини. Бесспорно, по своим философским размышлениям о природе и истоках предательства и соглашательства, о фашизме и антифашизме, об эротизме в различных его проявлениях «Конформист» — яркий образец элитарного искусства. В то же время фильм привлекал зрителей динамикой, эмоциональностью и психологической глубиной актерской игры Жан-Луи Трентиньяна, Стефании Сандрелли и Доминик Санда.
Трентиньян был идеальным кандидатом на главную мужскую роль и в следующей картине Бертолуччи «Последнее танго в Париже» (1972). Однако, смущенный эпатажностью некоторых сцен, актер отклонил предложение.
Картина «Последнее танго в Париже» (1972) вызвала бурю негодования итальянской цензуры. Трагическая история любви стареющего мужчины (Марлон Брандо) и юной темпераментной красавицы (Мария Шнайдер) поразила воображение современников и шокировала разнообразием сексуальных ситуаций. Разгорелись бурные дискуссии по поводу того, что считать порнографией на экране. По словам Брандо, Бертолуччи требовал, «чтобы секс у нас с Марией был настоящим»…
В 1976 году на экран выходит одно из самых значительных произведений Бертолуччи — «ХХ век» — широкая фреска итальянской народной жизни на протяжении полувека, особенно подробно показывающая параллельное развитие фашизма и коммунизма в тридцатые годы.
Действие фильма происходит в области Эмилия-Романья — на родине режиссера. «ХХ век» построен по классической схеме семейного романа-саги в центре сюжета судьбы бедняка Альмо (Депардье) и аристократа Альфредо (Де Ниро), родившихся в одном поместье. В фильме были заняты и другие знаменитости Ланкастер, Сазерленд, Санда, Сандрелли. Бертолуччи разрешил своей многонациональной труппе произносить текст на своем языке, с последующим дубляжем на итальянском.
Он умудрился снять эту гигантскую сагу за два года и всего за 6,5 миллиона долларов. «ХХ век» дебютировал на Каннском фестивале в 1976 году. В первоначальном монтажном варианте он шел в течение пяти часов двадцати минут. Без тени иронии Бернардо впоследствии выразится об этой версии фильма, как «о крайне удачном первом монтаже». Тематика эпопеи «ХХ век» — это попытки осмыслить и проанализировать итальянское общество, понять события, происходящие в стране, ее нужды и тенденции.
После малоудачных фильмов «Луна» (1979) и «Трагедия смешного человека» (1981) Бертолуччи замолчал на целых шесть лет. Он пытался найти для себя новые темы и уехал через Америку на Восток. Так появился грандиозный замысел «Последнего императора» (1987). Удивительная судьба монарха Китая Пу И дала повод для экранного воплощения излюбленных философских тем Бертолуччи, связанных с предначертанностью и переменчивостью человеческих судеб, с цикличностью хода истории, с недостижимостью идеала.
В созданный режиссером мощный, яркий национальный колорит Китая начала ХХ века диссонансом вписывается фигура единственного в этом фильме европейца (О’Тул). Немолодого джентльмена, элегантного, невозмутимого, несущего просвещение, дыхание «старой Европы». Герой О’Тула отчаянно одинок, как одиноки и нежизненны его принципы среди разгула восточного варварства, жестокости. И если императора Бертолуччи показывает рабом (при всей его неограниченной власти), то герой О’Тула внутренне свободен. Но в нем отчетливо ощущается обреченность, бессмысленность и нежизненность европейской цивилизации.
Созданный с постановочным размахом фильм был с особым восторгом принят в Америке. «Последний император» удостоился девяти «Оскаров», получил приз «Сезар» как лучший иностранный фильм года.
Вдохновленный успехом, Бертолуччи вновь устремляет взоры на загадочный и таинственный Восток. Его психологическая драма «Под защитой небес» (1990) с Джоном Малковичем и Дэброй Уингер в главных ролях, помимо традиционного для Бертолуччи анализа сложных взаимоотношений между мужчиной и женщиной, любовью и страстью, судьбой и смертью, насилием и мазохизмом, была посвящена к проблеме столкновения двух цивилизаций, европейской и восточной.
Пораженный прохладным приемом картины в Америке, Бертолуччи в завершающем «восточную трилогию» фильме «Маленький Будда» (1993) резко усилил зрелищность изображения при помощи сложных спецэффектов и постарался сделать философию более понятной для массовой аудитории.
Эта картина, над которой Бертолуччи работал в течение двух лет, в том числе в Непале и Бутане, представляет собой рассказ о событии фантастическом — перевоплощении духа тибетского ламы в тело западного ребенка. В киноповествование вплетены также эпизоды, воссоздающие легенду о Сиддхартхе Гаутаме, ставшем великим Буддой. Фильм обошелся продюсерам в 35 миллионов долларов.
«Маленький Будда» стал для меня наиболее трудным, — говорил Бертолуччи. — Трудным еще и потому, что хотелось сделать его доступным детям. Буддисты упрекали меня «Как можно называть «маленьким» Будду, который так велик Это оскорбление!» Тогда я пошел к Далай-ламе. Он сказал, что в каждом из нас есть маленький Будда…»
Фильм начал свое шествие по экранам мира в ноябре 1993 года с предварительной премьеры в Париже в присутствии одного-единственного зрителя. Но какого — самого Далай-ламы!..
Кинематографом увлечено все семейство Бертолуччи продюсером стал старший брат Бернардо — Джованни; сценаристом и режиссером — младший брат Джузеппе. Его вторая жена — Клер Пеплоу (по происхождению англичанка) – также является режиссером, а ее брат Марк — сценаристом, с которым Бертолуччи сотрудничает в последнее время…
По мнению Бернардо Бертолуччи, «жить стало скучнее, мы потеряли возможность мечтать. А я хочу обманываться, хочу видеть прекрасные сны! Мне же вместо них навязывают PR — паблик рилейшнз. С помощью пиара сегодня утрясаются социальные конфликты, благодаря ему становятся президентами и депутатами. Планета тихо сходит с ума. Наверное, я старею. Иначе вы бы не услышали от меня подобных жалоб… Моя задача — найти такое явление, которое, становясь символом, позволяет установить связь творчества с реальностью».

Комментариев к записи Бертолуччи Бернардо 16 марта 1941 года нет

Биография Александра Гордона 04/03/2017

Биография Александра Гордона
Биография Александра Гордона

Биография Александра Гордона

Александр Гарриевич Гордон (1964) – теле- и радиоведущий, режиссёр, журналист.

Родился Гордон 20 февраля 1964 года в творческой семье в поселке Белоусово, Калужская область.

Актерское образование в биографии Александра Гордона было получено в Театральном училище Щукина, которое он окончил в 1987 году. Проработав год в Театре-студии Симонова, отправился в США. Там для проживания вынужден был первое время забыть об актерском деле (занимался приготовлением и доставкой пиццы).

Однако вскоре сумел проявить творческую личность, взявшись за работу режиссёра, помощника оператора и монтажёра на телевидении. Став старшим корреспондентом на одном из американских каналов в 1992 году, в следующем году создал свою компанию («Wostok Entertainment»).

В 1997 году в биографии Гордона, наконец, состоялось возвращение на родину. Вскоре он становится корреспондентом, затем автором, ведущим программы «Частный случай». Карьеру на радиостанции начал в том же год с передачей «Хмурое утро». В 2006 году передача снова вышла в эфир.

За свою биографию Гордон являлся ведущим многих телепередач. С 1998 по 2000 вел «Собрание заблуждений», «Процесс» (канал ОРТ), с 2001 по 2003 – «Гордон» (канал НТВ), с 2004 – «Стресс» (НТВ), с 2005 – «Гордон 2030» (ОРТ), с 2007 – «Закрытый показ». В 2008 году талантливый ведущий вышел в телеэфир с программой «Гордон Кихот», а в радиоэфир – с «Гордон Жуан».

Успел проявить себя в качестве режиссёра (его фильм «Пастух своих коров» получил приз на российском кинофестивале), а также постановщика.

Комментариев к записи Биография Александра Гордона нет

Биография Тома Круза 27/02/2017

Биография Тома Круза
Биография Тома Круза

Биография Тома Круза

Том Круз (Томас Круз Мапотер IV)(1962) – актер, режиссёр, сценарист, продюсер.

Родился Том в городе Сиракузи штата Нью-Йорк 3 июля 1962 года. В биографии Тома Круза к 14 годам было сменено 15 школ. Частые переезды закончились, когда семья поселилась в Глен Ридж штата Нью-Джерси. Хотя с каждым новым переездом Том мог рассказывать одноклассникам байки о себе, но каждая смена класса становилась настоящим адом.

После того, как мать Тома приняла решение оставить отца, будущий актер брался за любую работу, чтобы помочь прокормить семью. В 13 лет в биографии Круза наступил новый этап – он стал обучаться в семинарии Святого Фрэнсиса. Затем занялся борьбой, но после травмы оставил спорт.

Решив стать актером, отправился в Нью-Йорк. Там в череде мелких работ вроде мытья посуды или разгрузки фур, случайно получил первую актерскую работу. Том с таким рвением и натурализмом играл свою роль, что его просто не могли не заметить. В 1983 году в биографии Тома Круза вышел фильм «Рискованный бизнес», который принес ему настоящую популярность.

Среди известнейших фильмов Круза – «Миссия невыполнима» (1996) (а также 2, 3 части фильма – соответственно в 2000, 2006 году), «Джерри Магуайер» (1996), «С широко закрытыми глазами» (1999), «Ванильное небо» (2001), «Остин Пауэрс» (2002), «Война миров» (2005), «Операция «Валькирия»» (2009), а также многие другие.

Том Круз был женат четырежды. Первой женой стала Мими Роджерс, второй – Николь Кидман. Затем Круз женился на Пенелопе Крус, а в 2006 – на Кэти Холмс.

Комментариев к записи Биография Тома Круза нет

Биография Сергея Бондарчука

Биография Сергея Бондарчука
Биография Сергея Бондарчука

Биография Сергея Бондарчука

Сергей Федорович Бондарчук (1920 – 1994) – актер, кинорежиссер, сценарист, народный артист СССР.

Родился Сергей в небольшом селе Белозерка Херсонской области Украины 25 сентября 1920 года. Детство в биографии Сергея Бондарчука было проведено в Ейске и Таганроге. Там он увлекся актерским мастерством. Позже начал играть в драматическом театре Таганрога. Сергей решил избрать себе карьеру актера. Его отец, инженер по специальности, был против такого выбора профессии.

С 1938 по 1941 год Сергей Бондарчук в своей биографии учился в театральном училище Ростова. Когда же началась Великая Отечественная война, образование пришлось прервать. Сергей отправился на фронт.

Высшее образование в биографии Сергея Бондарчука было получено во Всероссийском государственном университете кинематографии Герасимова. ВГИК Бондарчук окончил в 1948 году, учился на актерском факультете.

Дебют в кино в биографии Бондарчука состоялся в 1948 году (фильм «Молодая гвардия»). Во время съемок Сергей познакомился со своей будущей женой – Инной Макаровой. В том же году они поженились. А в 1950 в семье родилась дочка – Наталья. В 1959 году Бондарчук женился во второй раз, на актрисе, народной артистке Ирине Скобцевой. Вместе пара прожила 35 лет, вырастила двоих детей: дочь Алену и сына Федора.

Большой успех пришел к Сергею Бондарчуку после фильма «Тарас Шевченко» (1951).

В 1952 году Бондарчук в биографии получил звание Народного артиста СССР. Как режиссер дебютировал в 1959 году, сняв фильм «Судьба человека». Среди известных режиссерских работ Бондарчука: «Война и мир» (4 части), «Ватерлоо», «Они сражались за Родину», «Красные колокола», «Борис Годунов» и многие другие. В своих работах режиссер часто снимал жену и детей. За всю жизнь Сергей Бондарчук сыграл более чем в 30 фильмах.

Также в своей биографии Сергей Бондарчук занимался преподаванием. Он был руководителем режиссерской, актерской мастерских, а с 1974 года – профессором ВГИКа. Авторитет, влияние Сергея Бондарчука на кинематографию в СССР были громадными. С 1971 года он служил секретарем правления в Союзе кинематографистов.

Последняя режиссерская работа Сергея «Тихий Дон» так и не была завершена до его смерти. Окончательный монтаж картины закончил его сын Федор Бондарчук. Умер Сергей Бондарчук от инфаркта миокарда 20 октября 1994 года в Москве.

 

Комментариев к записи Биография Сергея Бондарчука нет

Биография Роберта де Ниро 26/02/2017

Биография Роберта де Ниро
Биография Роберта де Ниро

Биография Роберта де Ниро

Роберт Марио де Ниро младший (1943) – талантливый актер, режиссер и продюсер американского кино.

Родился в 1943 году, вырос в итальянских кварталах Нью-Йорка. Отец Роберта де Ниро был творческим человеком: художником и скульптором. С детства Роберт мечтал о будущем артиста. Затем закончил актерскую школу и впервые снялся в французском фильме сразу после достижения совершеннолетия.

В биографии Роберта Де Ниро стоит отметить такой факт, что первые восемь эпизодических ролей не принесли Роберту признания в Голливуде.

Но природное обаяние и привлекательность, настойчивость, мужественный и решительный характер помогли в дальнейшем добиться славы. После того, как знаменитый режиссер и сценарист Фрэнсис Коппола заметил талант и непосредственность де Ниро, актеру была предложена роль Вито Корлеоне. Благодаря этой роли в фильме «Крестный отец 2» актер получил премию Оскар.

К концу 70х годов Роберт сыграл более 15 ролей, кардинально отличавшихся по своей сущности. Действительно профессиональный актер ловко воплощается во все облики и меняет амплуа, что и есть доказательством высокого уровня игры. Роберт снялся в таких фильмах, как «Таксист», «Охотник на оленей», «Последний магнат», «Музыкант», «Разъяренный бык», «Король комедии», «Анализируй это», «Шоу начинается» и многих других.

Пожалуй, самым знаменитым фильмом 80-х годов с участием Роберта де Ниро является «Однажды в Америке».

К режиссерским работам де Ниро относятся «Бронкская история», «Ложное искушение». Гонорары Роберта колеблются от 35 тысяч до 20 миллионов долларов, причем гонорары за роли начиная с 2000 года не опускаются ниже 13 миллионов. На сегодняшний момент актер владеет несколькими ресторанами в Америке и киноцентром.

Комментариев к записи Биография Роберта де Ниро нет

Биография Олега Янковского

Биография Олега Янковского
Биография Олега Янковского

Биография Олега Янковского

Олег Иванович Янковский (1944) – выдающийся актер театра и кино, народный артист СССР, режиссёр.

Родился Олег в Джезказгане (Казахстан) в семье военного. Детство Олега было бедным, но не менее радостным от того: он играл в футбол, и ничто не предсказывало будущей большой известности в качестве актера. Затем семья переехала в Саратов, а в 1958 году Олег поселился вместе с братом в Минске. Желание связать свою судьбу с актерской деятельностью в биографии Олега Янковского пришло от брата: он также был актером.

Он же способствовал дебюту Олега на сцене еще в школьные годы.

Образование Олег получил в Саратове, там он в 1965 году окончил театральное училище. В том же году стал играть в драматическом театре Саратова. Женился на Людмиле Зориной еще во время обучения.

Первая роль в кино в биографии Янковского была сыграна в 1968 году – в фильме «Щит и меч». Следующий фильм актера Янковского – «Служили два товарища». Превосходно сыграв семь разноплановых ролей в театре Саратова, он в 1973 году стал выступать в «Ленкоме». Среди других известнейших фильмов Янковского – «Сентиментальный роман», «Мой ласковый и нежный зверь», «Обыкновенное чудо», «Тот самый Мюнхгаузен», «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона», «Два гусара», «Доктор Живаго», «Стиляги» и многие другие.

В 2000 году в биографии Янковского состоялся режиссерский дебют («Приходи на меня посмотреть»).

Актер обладает многими орденами и наградами, в 1991 году получил звание народного артиста СССР.

В январе 2009 года физическое состояние Янковского ухудшилось. Он временно передал некоторые свои роли в «Ленкоме» дублерам. Болезнь Янковский лечил в Германии, а в начале февраля 2009 снова вернулся в Москву. Великий актер предстал на сцене в роли Жевякина и продолжает радовать поклонников.

Комментариев к записи Биография Олега Янковского нет